Fotografía: Cortesía del Museo Naturhistorisches

Nuestra escultura de la historia del arte, esta pequeña figura que mide poco más de diez centímetros de altura, fue descubierta en Austria en 1908. Nadie sabe qué función cumplía, pero las conjeturas van desde diosa de la fertilidad hasta ayuda para la masturbación.Algunos estudiosos sugieren que pudo haber sido un autorretrato realizado por una mujer.Es el más famoso de muchos objetos que datan de la Antigua Edad de Piedra.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/Philip Pikart

Este retrato ha sido un símbolo de la belleza femenina desde que fue desenterrado por primera vez en 1912 dentro de las ruinas de Amarna, la capital construida por el faraón más controvertido de la historia del Antiguo Egipto: Akenatón.La vida de su reina, Nefertiti, es un misterio: se cree que gobernó como faraón durante un tiempo después de la muerte de Akenatón, o más probablemente, como corregente del niño rey Tutankamón.Algunos egiptólogos creen que en realidad era la madre de Tutankamón.Se cree que este busto de piedra caliza recubierto de estuco es obra de Tutmosis, el escultor de la corte de Akenatón.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/Maros M·raz

Descubierto en 1974, el Ejército de Terracota es un enorme alijo de estatuas de arcilla enterradas en tres enormes fosas cerca de la tumba de Shi Huang, el primer emperador de China, que murió en el año 210 a.C.Con el objetivo de protegerlo en el más allá, se cree que el ejército cuenta con más de 8.000 soldados junto con 670 caballos y 130 carros.Cada uno es de tamaño natural, aunque la altura real varía según el rango militar.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/LivioAndronico

Quizás la escultura más famosa de la antigüedad romana,Laocoonte y sus hijosFue desenterrado originalmente en Roma en 1506 y trasladado al Vaticano, donde reside hasta el día de hoy.Se basa en el mito de un sacerdote troyano asesinado junto con sus hijos por serpientes marinas enviadas por el dios del mar Poseidón como represalia por el intento de Laocoonte de exponer la artimaña del caballo de Troya.Instalado originalmente en el palacio del emperador Tito, este grupo figurativo de tamaño natural, atribuido a un trío de escultores griegos de la isla de Rodas, no tiene rival como estudio del sufrimiento humano.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Una de las obras más emblemáticas de toda la historia del arte, el David de Miguel Ángel, tuvo su origen en un proyecto más amplio para decorar los contrafuertes de la gran catedral de Florencia, el Duomo, con un grupo de figuras tomadas del Antiguo Testamento.ElDavidfue uno de ellos, y en realidad fue iniciado en 1464 por Agostino di Duccio.Durante los dos años siguientes, Agostino logró desbastar parte del enorme bloque de mármol extraído de la famosa cantera de Carrara antes de detenerse en 1466 (nadie sabe por qué). Otro artista tomó el relevo, pero él también solo Trabajé en ello brevemente.El mármol permaneció intacto durante los siguientes 25 años, hasta que Miguel Ángel volvió a tallarlo en 1501. Tenía 26 años en ese momento.Cuando estuvo terminado, el David pesaba seis toneladas, lo que significaba que no podía ser izado hasta el techo de la catedral.En cambio, se exhibió justo afuera de la entrada del Palazzo Vecchio, el ayuntamiento de Florencia.La figura, una de las destilaciones más puras del estilo del Alto Renacimiento, fue inmediatamente adoptada por el público florentino como símbolo de la propia resistencia de la ciudad-estado contra los poderes desplegados en su contra.En 1873, elDavidSe trasladó a la Galería de la Academia y se instaló una réplica en su ubicación original.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Reconocido como el creador del estilo del Alto Barroco Romano, Gian Lorenzo Bernini creó esta obra maestra para una capilla en la Iglesia de Santa Maria della Vittoria.El Barroco estuvo indisolublemente ligado a la Contrarreforma a través de la cual la Iglesia Católica intentó detener la marea de protestantismo que surgía en la Europa del siglo XVII.Obras de arte como las de Bernini formaban parte del programa para reafirmar el dogma papal, lo que fue muy útil aquí gracias al genio de Bernini para imbuir escenas religiosas de narrativas dramáticas.Éxtasises un ejemplo de ello: su tema, Santa Teresa de Ávila, una monja carmelita y mística española que escribió sobre su encuentro con un ángel, se representa justo cuando el ángel está a punto de clavar una flecha en su corazón.ÉxtasisLos matices eróticos son inconfundibles, más obviamente en la expresión orgásmica de la monja y la tela retorcida que envuelve ambas figuras.Arquitecto además de artista, Bernini también diseñó el entorno de la Capilla en mármol, estuco y pintura.

Fotografía: Cortesía del Museo Metropolitano de Arte/Fondo Fletcher

El artista italiano Antonio Canova (1757-1822) está considerado el mayor escultor del siglo XVIII.Su obra personificó el estilo neoclásico, como se puede ver en su interpretación en mármol del héroe mítico griego Perseo.Canova en realidad hizo dos versiones de la pieza: una reside en el Vaticano en Roma, mientras que la otra se encuentra en el Tribunal de Escultura Europea del Museo Metropolitano de Arte.

Fotografía: Museo Metropolitano de Arte

Si bien el maestro impresionista Edgar Degas es más conocido como pintor, también trabajó en escultura, produciendo lo que posiblemente fue el esfuerzo más radical de su obra.Degas modeladoLa pequeña bailarina de catorce añosde cera (de la cual se fundieron posteriores copias en bronce después de su muerte en 1917), pero el hecho de que Degas vistiera a su personaje epónimo con un traje de ballet real (completo con corpiño, tutú y pantuflas) y una peluca de cabello real causó sensación cuandoBailarínDebutó en la Sexta Exposición Impresionista de 1881 en París.Degas optó por cubrir la mayoría de sus adornos con cera para que coincidieran con el resto de los rasgos de la niña, pero mantuvo el tutú, así como una cinta atada hacia atrás en su cabello, como estaban, haciendo de la figura uno de los primeros ejemplos de objetos encontrados. arte.Bailarínfue la única escultura que Degas exhibió en vida;Después de su muerte, se encontraron unos 156 ejemplares más languideciendo en su estudio.

Fotografía: Cortesía del Museo de Arte de Filadelfia.

Si bien la mayoría de la gente asocia al gran escultor francés Auguste Rodin conEl pensador, este conjunto que conmemora un incidente ocurrido durante la Guerra de los Cien Años (1337-1453) entre Gran Bretaña y Francia es más importante para la historia de la escultura.Encargado para un parque en la ciudad de Calais (donde un asedio de un año por parte de los ingleses en 1346 fue levantado cuando seis ancianos de la ciudad se ofrecieron para ser ejecutados a cambio de salvar a la población),Los burguesesevitó el formato típico de los monumentos de la época: en lugar de figuras aisladas o apiladas en una pirámide sobre un alto pedestal, Rodin montó sus personajes de tamaño natural directamente en el suelo, al nivel del espectador.Este paso radical hacia el realismo rompió con el tratamiento heroico que habitualmente se otorga a estas obras al aire libre.ConLos burgueses, Rodin dio uno de los primeros pasos hacia la escultura moderna.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Wally Gobetz

En 1912, Picasso creó una maqueta de cartón de una pieza que tendría un impacto enorme en el arte del siglo XX.También en la colección del MoMA, representaba una guitarra, un tema que Picasso exploraba a menudo en pintura y collage, y en muchos aspectos,Guitarratransfirió las técnicas de cortar y pegar del collage de dos dimensiones a tres.Hizo lo mismo con el cubismo, ensamblando formas planas para crear una forma multifacética con profundidad y volumen.La innovación de Picasso fue evitar el tallado y modelado convencional de una escultura a partir de una masa sólida.En cambio,GuitarraEstaba unido como una estructura.Esta idea reverberaría desde el constructivismo ruso hasta el minimalismo y más allá.Dos años después de realizar elGuitarraEn cartón, Picasso creó esta versión en hojalata recortada.

Fotografía: Museo Metropolitano de Arte

Desde sus inicios radicales hasta su encarnación fascista final, el futurismo italiano conmocionó al mundo, pero ninguna obra ejemplificó el puro delirio del movimiento que esta escultura de una de sus principales figuras: Umberto Boccioni.Comenzó como pintor y se dedicó a trabajar en tres dimensiones después de un viaje a París en 1913 en el que recorrió los estudios de varios escultores de vanguardia de la época, como Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon y Alexander Archipenko.Boccioni sintetizó sus ideas en esta obra maestra dinámica, que representa una figura que camina en una "continuidad sintética" de movimiento como la describió Boccioni.La pieza fue creada originalmente en yeso y no se fundió en su familiar versión de bronce hasta 1931, mucho después de la muerte del artista en 1916 como miembro de un regimiento de artillería italiano durante la Primera Guerra Mundial.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Nacido en Rumania, Brancusi fue uno de los escultores más importantes del modernismo de principios del siglo XX y, de hecho, una de las figuras más importantes de toda la historia de la escultura.Brancusi, una especie de protominimalista, tomó formas de la naturaleza y las transformó en representaciones abstractas.Su estilo fue influenciado por el arte popular de su tierra natal, que a menudo presentaba patrones geométricos vibrantes y motivos estilizados.Tampoco hizo distinción entre objeto y base, tratándolos, en ciertos casos, como componentes intercambiables, un enfoque que representó una ruptura crucial con las tradiciones escultóricas.Esta pieza icónica es un retrato de su modelo y amante, Margit Pogány, una estudiante de arte húngara que conoció en París en 1910. La primera versión fue tallada en mármol, seguida de una copia en yeso a partir de la cual se hizo este bronce.El yeso en sí se exhibió en Nueva York en el legendario Armory Show de 1913, donde los críticos se burlaron y ridiculizaron.Pero también fue la pieza más reproducida de la muestra.Brancusi trabajó en varias versiones deSeñorita Poganydurante unos 20 años.

Fotografía: Cortesía del Museo de Arte Moderno.

Rueda de bicicletaSe considera el primero de los readymades revolucionarios de Duchamp.Sin embargo, cuando completó la pieza en su estudio de París, realmente no tenía idea de cómo llamarla.“Tuve la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de la cocina y verla girar”, diría más tarde Duchamp.Fue necesario un viaje a Nueva York en 1915 y la exposición a la enorme producción de productos fabricados en fábrica de la ciudad para que a Duchamp se le ocurriera el término ready-made.Más importante aún, comenzó a ver que hacer arte de manera tradicional y artesanal parecía inútil en la Era Industrial.Para qué molestarse, planteó, cuando los artículos manufacturados ampliamente disponibles podrían hacer el trabajo.Para Duchamp, la idea detrás de la obra de arte era más importante que cómo se hizo.Esta noción (quizás el primer ejemplo real de arte conceptual) transformaría por completo la historia del arte en el futuro.Sin embargo, al igual que un objeto doméstico común y corriente, el originalRueda de bicicletano sobrevivió: esta versión es en realidad una réplica que data de 1951.

Fotografía: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, Nueva York/Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Un elemento querido de la colección permanente del Museo Whitney,El circo de Calderdestila la esencia lúdica que Alexander Calder (1898-1976) aportó como artista que ayudó a dar forma a la escultura del siglo XX.Circo, que fue creado durante la estancia del artista en París, era menos abstracto que sus “móviles” colgantes, pero a su manera, era igual de cinético: hecho principalmente de alambre y madera,Circosirvió como pieza central para actuaciones de improvisación, en las que Calder movía varias figuras que representaban contorsionistas, tragasables, domadores de leones, etc., como un maestro de ceremonias divino.

Fotografía: Cortesía del Museo J. Paul Getty

Como pintor y diseñador de tapices, además de escultor, el artista francés Aristide Maillol (1861-1944) podría describirse mejor como un neoclasicista moderno que dio un giro simplificado y del siglo XX a la estatuaria grecorromana tradicional.También podría describirse como un conservador radical, aunque conviene recordar que incluso contemporáneos de vanguardia como Picasso produjeron obras en una adaptación del estilo neoclásico después de la Primera Guerra Mundial. El tema de Maillol era el desnudo femenino, y enGuarida, ha creado un contraste entre la masa material de su modelo y la forma en que ella parece estar flotando en el espacio, equilibrando, por así decirlo, una fisicalidad obstinada con una presencia evanescente.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/C-Monster

Kusama, una artista japonesa que trabaja en múltiples medios, llegó a Nueva York en 1957 y regresó a Japón en 1972. Mientras tanto, se estableció como una figura importante de la escena del centro, cuyo arte tocó muchas bases, incluido el arte pop y el minimalismo. y Arte Performance.Como artista que a menudo se refería a la sexualidad femenina, también fue una precursora del arte feminista.El trabajo de Kusama a menudo se caracteriza por patrones alucinógenos y repeticiones de formas, una propensión arraigada en ciertas condiciones psicológicas (alucinaciones, TOC) que ha sufrido desde la infancia.Todos estos aspectos del arte y la vida de Kusuma se reflejan en esta obra, en la que un sillón tapizado común y corriente queda inquietantemente subsumido por un brote parecido a una plaga de protuberancias fálicas hechas de tela rellena cosida.

Fotografía: Whitney Museum of American Art, Nueva York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Conocida simplemente por su nombre de pila, Marisol Escobar (1930-2016) nació en París de padres venezolanos.Como artista, se asoció con el Pop Art y más tarde con el Op Art, aunque estilísticamente no pertenecía a ninguno de los dos grupos.En cambio, creó cuadros figurativos que pretendían ser sátiras feministas de los roles de género, la celebridad y la riqueza.Enmujeres y perroaborda la cosificación de las mujeres y la forma en que los estándares de feminidad impuestos por los hombres se utilizan para obligarlas a adaptarse.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Rocor

La Caja Brillo es quizás la más conocida de una serie de obras escultóricas que Warhol creó a mediados de los años 60, que efectivamente llevaron su investigación de la cultura pop a tres dimensiones.Fiel al nombre que Warhol le había dado a su estudio, la Fábrica, el artista contrató carpinteros para trabajar en una especie de línea de montaje, clavando cajas de madera en forma de cajas de cartón para diversos productos, entre ellos Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes y Campbell's Soup, así como bien almohadillas de jabón Brillo.Luego pintó cada caja de un color que coincidiera con el original (blanco en el caso de Brillo) antes de agregar el nombre del producto y el logotipo en serigrafía.Creadas en múltiplos, las cajas a menudo se mostraban en grandes pilas, convirtiendo efectivamente cualquier galería en la que se encontraban en un facsímil culturalmente alto de un almacén.Su forma y producción en serie fueron quizás un guiño (o una parodia) al entonces naciente estilo minimalista.Pero el verdadero punto deCaja Brilloes cómo su estrecha aproximación a la realidad subvierte las convenciones artísticas, al implicar que no existe una diferencia real entre los productos manufacturados y el trabajo del estudio de un artista.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Esther Westerveld

El nombre de Donald Judd es sinónimo de arte minimalista, el movimiento de mediados de los años 60 que destiló la corriente racionalista del modernismo hasta lo esencial.Para Judd, la escultura significaba articular la presencia concreta de la obra en el espacio.Esta idea fue descrita con el término "objeto específico" y, mientras otros minimalistas la abrazaron, se podría decir que Judd le dio a la idea su expresión más pura al adoptar la caja como su forma distintiva.Al igual que Warhol, los produjo como unidades repetitivas, utilizando materiales y métodos tomados de la fabricación industrial.A diferencia de las latas de sopa de Warhol y las Marilyns, el arte de Judd no hacía referencia a nada fuera de sí mismo.Sus “stacks” se encuentran entre sus piezas más conocidas.Cada uno consta de un grupo de cajas idénticamente poco profundas hechas de chapa galvanizada, que sobresalen de la pared para crear una columna de elementos espaciados uniformemente.Pero Judd, que comenzó como pintor, estaba tan interesado en el color y la textura como en la forma, como se ve aquí en la laca de carrocería teñida de verde aplicada en la cara frontal de cada caja.La interacción de color y material de Judd daSin título (pila)una elegancia fastidiosa que suaviza su absolutismo abstracto.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Rocor

Al igual que Benglis, Hesse fue una artista que filtró el posminimalismo a través de un prisma posiblemente feminista.Judía que huyó de la Alemania nazi cuando era niña, exploró formas orgánicas, creando piezas en fibra de vidrio industrial, látex y cuerdas que evocaban piel o carne, genitales y otras partes del cuerpo.Teniendo en cuenta sus antecedentes, es tentador encontrar un trasfondo de trauma o ansiedad en obras como ésta.

Fotografía: Cortesía del Museo de Arte Moderno.

Siguiendo a Judd y Flavin, un grupo de artistas se apartó de la estética de líneas limpias del minimalismo.Como parte de esta generación posminimalista, Richard Serra puso esteroides al concepto de objeto específico, ampliando enormemente su escala y peso, y haciendo que las leyes de la gravedad fueran parte integral de la idea.Creó precarios equilibrios de placas y tubos de acero o plomo que pesaban toneladas, lo que tuvo el efecto de impartir una sensación de amenaza a la obra.(En dos ocasiones, los aparejadores que instalaban piezas de Serra murieron o quedaron mutilados cuando la obra colapsó accidentalmente). En las últimas décadas, la obra de Serra ha adoptado un refinamiento curvilíneo que la ha hecho enormemente popular, pero al principio, obras como One Ton Prop (House of Cards), que presenta cuatro placas de plomo apoyadas entre sí, comunicaba sus preocupaciones con brutal franqueza.

Fotografía: Cortesía de CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Siguiendo la tendencia contracultural general durante las décadas de 1960 y 1970, los artistas comenzaron a rebelarse contra el comercialismo del mundo de las galerías, desarrollando formas de arte radicalmente nuevas, como los movimientos de tierra.También conocido como land art, la figura principal del género fue Robert Smithson (1938-1973), quien, junto con artistas como Michael Heizer, Walter De Maria y James Turrel, se aventuró en los desiertos del oeste de Estados Unidos para crear obras monumentales que actuaban en concierto con su entorno.Este enfoque de sitio específico, como se le llamó, a menudo empleaba materiales tomados directamente del paisaje.Tal es el caso de Smithson.Muelle en espiral, que se adentra en el Gran Lago Salado de Utah desde Rozel Point en la costa noreste del lago.Hecho de barro, cristales de sal y basalto extraídos in situ,Medidas del embarcadero en espiral1.500 por 15 pies.Estuvo sumergido bajo el lago durante décadas hasta que una sequía a principios de la década de 2000 lo sacó a la superficie nuevamente.En 2017,Muelle en espiralfue nombrada la obra de arte oficial de Utah.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

La obra emblemática del artista nacido en Francia,Arañase creó a mediados de la década de 1990, cuando Bourgeois (1911-2010) ya tenía más de ochenta años.Existe en numerosas versiones de diferentes escalas, incluidas algunas monumentales.Arañapretende ser un homenaje a la madre del artista, una restauradora de tapices (de ahí la alusión a la propensión del arácnido a tejer telas).

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Ganador del prestigioso Premio Turner en 1994, Antony Gormley es uno de los escultores contemporáneos más célebres del Reino Unido, pero también es conocido en todo el mundo por su visión única del arte figurativo, en el que se basan amplias variaciones de escala y estilo. en su mayor parte, siguiendo el mismo modelo: un molde del propio cuerpo del artista.Este es el caso de este enorme monumento alado situado cerca de la ciudad de Gateshead, en el noreste de Inglaterra.Situado a lo largo de una carretera importante,Ángelse eleva a 66 pies de altura y se extiende por 177 pies de ancho de punta a punta de ala.Según Gormley, la obra pretende ser una especie de marcador simbólico entre el pasado industrial de Gran Bretaña (la escultura está situada en la región carbonífera de Inglaterra, el corazón de la Revolución Industrial) y su futuro postindustrial.

Cortesía CC/Flickr/Richard Howe

Los habitantes de Chicago lo llaman cariñosamente "The Bean" por su forma elipsoidal curvada.Puerta de la nube, la pieza central de arte público de Anish Kapoor para el Millennium Park de Second City, es a la vez obra de arte y arquitectura, y proporciona un arco listo para Instagram para los paseantes dominicales y otros visitantes del parque.Fabricado en acero espejado,Puerta de la nubeLa reflectividad de la casa de la diversión y su gran escala la convierten en la pieza más conocida de Kapoor.

Cortesía del artista y Greene Naftali, Nueva York.

El trabajo de Rachel Harrison combina un formalismo consumado con una habilidad especial para imbuir elementos aparentemente abstractos con múltiples significados, incluidos los políticos.Cuestiona ferozmente la monumentalidad y la prerrogativa masculina que la acompaña.Harrison crea la mayor parte de sus esculturas apilando y organizando bloques o losas de espuma de poliestireno, antes de cubrirlos con una combinación de cemento y adornos pictóricos.La guinda del pastel es algún tipo de objeto encontrado, ya sea solo o en combinación con otros.Un buen ejemplo es este maniquí encima de una forma alargada y salpicada de pintura.Con una capa y una máscara de Abraham Lincoln mirando hacia atrás, la obra plantea la teoría del gran hombre de la historia con su evocación del conquistador del Mundo Antiguo erguido sobre una roca del color de un payaso.